Une démonstration brute de crise, de narration et de reprise
Critiques de Springsteen : Délivre-moi de nulle part et Frankenstein
Raconter l'histoire de l'album Nebraska de Bruce Springsteen en 1982, Springsteen—Deliver Me From Nowhere, est plus qu'un simple biopic.
Cela montre son dévouement à la narration. Il trouve son inspiration dans le cinéma, la poésie et la famille.
Entrecoupé de flashbacks d'enfance, nous voyons Springsteen (Jeremy Allen White) rechercher, observer et perfectionner les récits avec lesquels il veut s'exprimer.
Le film commence avec Springsteen fraîchement sorti de tournée, épuisé et profondément aliéné par la célébrité. Il a soif de calme et de capacité à créer sans examen minutieux. Il aspire à quelque chose qui est hors de sa portée.
Springsteen se concentre rigoureusement sur la narration. Il refuse que ce qu’il veut dire soit réduit ou façonné par le marché.
Il entre dans quelque chose et, ce faisant, il s'effondre un peu.
Springsteen doit échapper aux contraintes de faire de l'art pour de l'argent afin de guérir et de faire ce qui est considéré comme sa meilleure musique.
Sa santé mentale est parallèle à celle de son père (joué par Stephen Graham). Si vous connaissez la musique de Springsteen, il est clair que la maladie mentale de son père vient des pressions de la vie ouvrière. Mais le film pourrait mieux transmettre cela.
Le film se termine avec un accord entre le père et le fils. Ils conviennent que l’on ne peut faire de son mieux qu’avec ce que l’on a et que nous avons tous nos combats.
Le film parle de maladie mentale, d'amitié et de rétablissement. La relation de Springsteen avec le producteur Jon Landau est au centre de cette histoire.
Landau comprend la vision de Springsteen et se bat pour cela. C'est Landau qui est toujours à l'autre bout du fil. Et c'est Landau qui combat la maison de disques et convainc Springsteen de demander de l'aide. La représentation de l’amitié masculine évite toutes les notions de machisme peut-être attendues.
Le film évite le cliché du génie artistique.
Et il refuse de faire des femmes de la vie de Springsteen des personnages secondaires. Faye (Odessa Young), un personnage créé pour le film avec lequel Springsteen entretient une relation, aurait facilement pu être mis à l'écart. Mais c’est elle qui interpelle Springsteen, refusant d’être un accessoire pour son développement personnel.
C'est un film sur le fait de devoir construire quelque chose pour soi-même, à partir de soi-même – personne d'autre ne peut assumer cette responsabilité.
J'étais sceptique quant à la capacité de White à rivaliser avec « The Boss », mais j'étais heureux d'avoir eu tort. Il apporte l’énergie et la profondeur nécessaires pour s’attaquer à l’icône.
Le principal inconvénient est qu'il n'explore pas explicitement les histoires de la classe ouvrière qui caractérisent la musique de Springsteen.
Réinterpréter la tragédie de l’ambition humaine
Frankenstein de Guillermo Del Toro est une réinterprétation émouvante du conte gothique classique de Mary Shelley. Ce nouveau film se concentre sur la façon dont nous sommes façonnés en tant qu'humains par notre éducation et notre environnement, ainsi que sur les dilemmes moraux de « jouer à Dieu ».
Victor Frankenstein (Oscar Isaac) est dépeint comme complètement antipathique : un génie arrogant, qui est finalement déçu par sa propre imperfection.
Son projet est financé par Henrich (Christoph Waltz), qui se trouve être un marchand d'armes.
Son investissement dans l'expérience de Victor découle de son désir d'habiter ce nouveau corps. Il aide Victor à se procurer des pièces provenant de morts à la guerre ou d'exécution pour créer la créature.
Victor semble plus qu'heureux d'accepter un financement, fermant les yeux sur la souffrance.
Elizabeth (Mia Goth), la nièce d'Henrich, dit à ce propos : « Les hommes contrôlent la guerre et en profitent, tandis que les soldats qui meurent à des kilomètres de chez eux n'ont pas le choix. »
Lorsque Victor confine sa création dans une cave presque immédiatement après sa « naissance », Elizabeth remet en question sa cruauté. « La créature ne sait pas grand-chose », dit-il. Elizabeth répond: « Mais vous le faites. »
Il est révélateur que seuls les personnages opprimés – une femme ou un homme âgé aveugle – font preuve de compassion envers la Créature.
Jacob Elordi dépeint la Créature comme un enfant négligé, façonné par le chagrin et la rage alors que Victor lui inflige sa propre honte. La créature réfléchit à son but et à son identité, hantée par les rêves fragmentés des corps assemblés pour le former.
Ne sommes-nous pas tous façonnés par ceux qui nous ont précédés ? Cette adaptation capture la tragédie de l'ambition humaine et le désir d'être aimé simplement pour exister.
Vic Hoover
