Comment la National Gallery a frôlé l’empire

La National Gallery de Londres fête son 200e anniversaire. Charlie Kimber examine les raisons de sa création et son rôle dans la création d'une image de britannicité

Pourquoi, en 1824, les riches ont-ils créé de grandes salles remplies de peintures pour que les gens ordinaires puissent les regarder ? À plusieurs niveaux, des intérêts fondamentaux étaient en jeu. Les États nationalisaient les collections d’art royales dans de nombreux pays européens. Le Louvre à Paris a ouvert ses portes en 1793.

Son passage d'un palais royal à ce qui était censé être un domaine populaire symbolisait la transformation sociale de la Révolution française. La monarchie britannique ne voulait pas que des mains sales touchent à ses toiles volées et thésaurisées – et elle a réussi. La collection royale britannique reste aujourd’hui une possession privée.

La National Gallery pourrait répondre à la demande d’accès du public à l’art tout en gardant les portes du palais fermement fermées. Il a été construit grâce à des expositions organisées par des hommes très riches. L'un des personnages centraux était le duc de Bridgewater, un riche magnat des canaux.

Il n'avait pas beaucoup de temps pour peindre jusqu'à ce que son neveu « éclairé » Lord Gower le persuade qu'une exposition faisait office de salle de vente. Comme le dit l'histoire officielle de la National Gallery : « Une fois que Gower eut expliqué que les maîtres anciens pouvaient générer de bons bénéfices, le duc développa un enthousiasme assez soudain pour l'art. »

La galerie a commencé modestement. En 1823, le gouvernement acheta 38 tableaux de la collection de l'homme d'affaires John Julius Angerstein et reprit le bail de sa maison de ville de Pall Mall. Le public pouvait y admirer la collection avant la construction de la galerie moderne de Trafalgar Square en 1838.

Compte tenu de la place centrale de l’esclavage dans les débuts du capitalisme, de nombreux clients et personnalités de la galerie ont été plongés dans le sang de la traite des êtres humains. Mais la galerie n'était pas seulement une affaire d'argent sonnant et trébuchant. Il s’agissait de projeter une vision de la britannicité – principalement de l’anglais – et de sa place dans le monde. C’était eurocentrique, sexiste et impérial.

Certains capitalistes émergents se sont sentis obligés de lier les travailleurs à cette vision nationale. Ils espéraient que cela arrêterait les agitateurs de la révolution. Si vous allez à la National Gallery aujourd’hui, vous verrez de magnifiques peintures. Mais il y a aussi des sections sur des sujets fastidieux religieux et classiques grecs et romains.

À l’époque, ces mesures étaient cruciales, car elles tentaient de situer l’empire britannique en expansion dans une tradition de haute culture dérivée d’anciennes civilisations. Et c'est pourquoi une grande partie de la peinture de paysage à cette époque – avant John Constable qui produisait des versions plus radicales de scènes rurales – était peuplée de temples grecs et de personnages mythologiques classiques.

Alors que la société traversait la période la plus extraordinaire du développement industriel, les vies des gens étaient déchirées et la lutte des classes éclatait. La galerie était souvent un dépositaire d’une nature idyllique. Mais parce que l'art ne fait pas seulement ce que veulent nos dirigeants, même lorsqu'ils choisissent ce qui est sur les murs, il expose également des peintures critiques et radicales.

Les peintures de JMW Turner exprimant les horreurs de l'esclavage et des guerres napoléoniennes se trouvent dans la galerie, même si ce n'est pas son œuvre la plus puissante, The Slave Ship. La nouvelle classe capitaliste espérait façonner une vision de la Grande-Bretagne capable de réaliser à la fois un art local « La Grande-Bretagne est le meilleur » et un art enraciné dans une tradition prétendument universelle.

Cela impliquait d’admettre que les étrangers avaient produit des choses plutôt bonnes. Le premier tableau du catalogue officiel de la galerie, NG1, souligne tous ces facteurs. Il s'agit de La Résurrection de Lazare de Sebastiano del Piombo. L'artiste était un peintre italien de la Haute Renaissance du XVIe siècle et le sujet est un thème religieux classique.

Il est très avancé pour l’époque, mais aussi totalement sûr. Il pille un artiste non britannique plutôt que de le vénérer. La National Gallery propose désormais une série de conférences et d'événements pour marquer son bicentenaire.

Presque inévitablement, une multitude de marchandises telles que le lien avec les chaussures Dr Martens y sont attachées. Cela a produit une botte incorporant la nature morte de l'artiste du XVIIe siècle Harmen Steenwyck : une allégorie des vanités de la vie humaine. Seulement 180 £ la paire, puisque vous le demandez.